Platón hace referencia a la capacidad creativa del poeta o artista como una inspiración divina. La concepción de que un individuo podía tener la capacidad de crear algo por sí solo o por el poder de su sola capacidad creadora no existía, sino más bien una que se centraba en un poeta que trabaja arduamente hasta que su entusiasmo lo lleve a un punto en que se salga de sí mismo2, concepto retomado por Kant en el siglo XVIII. Ese “salir de sí mismo” corresponde también al significado de éxtasis. Ese éxtasis en el que un artista dice sentirse, aún hoy, en los momentos en que su proceso de trabajo llega al máximo de su capacidad creativa.

Breve reseña de la arquitectura Art Nouveau del Palacio de Bellas Artes

2009

Hacia 1995, Arthur Danto culmina sus investigaciones acerca del arte con al menos dos tesis conmocionantes: por la primera de ellas anuncia que el arte ha llegado a su fin. Por la segunda, sostiene que los artistas deben formarse en las escuelas de filosofía, y devenir filósofos. Ambas tesis se derivan de su teoría del arte, y de su teoría de la historia del arte, que se encuentran íntimamente relacionadas. En el presente artículo vamos a presentar las tesis de Danto, y a realizar su crítica. Nos centraremos en sus puntos principales, tales como el carácter progresivo que le atribuye a la mímesis y por ende justificatorio tanto de una historia hegeliana del arte como de su fin, y un esencialismo identificado con la intencionalidad del artista, aquello a lo que apunta la obra. Para su crítica se tomarán elementos de la teoría de la percepción, de la historia del arte, y de la sociología del arte.

Las primeras manifestaciones artísticas.

ESTADÍOS DEL ARTE 1.

Este texto nació como intento turbulento de escritura, por la necesidad de plasmar reflexiones que se vienen amasando hace tiempo y que luego de ser reflexiones, devienen propuesta y acción. Es necesario mencionar que esta escritura tiene su inspiración en la propia práctica y la práctica plasmada en muchas otras experiencias. Se trata de prácticas que conjugan el arte, o las artes -en plural femenino-y procesos de transformación, entendiendo a esta última como transformaciones en diferentes niveles (individual, grupal, organizativa, comunitaria, social) y dimensiones o aspectos (política, estética, ética, metodológica, etc.). Muchísimas de estas prácticas, incluyen procesos de reflexión y sistematización de conocimientos que hoy son referencia y punto de anclaje para pensar en clave de arte y transformación social, artes comunitarias, arte y política, entre otros modos de nombrar un campo rico en diversidad y aportes. Escribir sobre este tema hoy, implica reconocer que hay una bandada volando con conciencia de bandada, y con ciertos horizontes de sentido y modos organizativos de vuelo que fueron descubriéndose con el movimiento de las alas en fuerte interacción con porciones de tierra y de cielo.

En el presente ensayo hablaré sobre componentes de la obra y de la literatura. Para comenzar con dicho texto conceptualizaré las siguientes palabras respecto a la literatura. El primero es el contenido o argumento, lo cual se contesta con la pregunta ¿Qué cuenta? El siguiente concepto es el tema, y se responde con la pregunta ¿Qué quiere decirme? El punto de vista se responde con ¿Desde dónde lo dice? Y por último la estructura, se contesta con la pregunta ¿Cómo está formado? Todo esto nos ayudará a poder entender mejor el texto, poder identificar lo que nos quiere decir el cuento, como está formado, etc. La palabra literatura proviene del latino "litterae" que quiere decir letra o lo escrito; para la Real Academia Española la literatura tiene como significado: es una actividad de raíz artística que aprovecha como vía de expresión al lenguaje. La literatura está ligada a la cultura como una manifestación de belleza a través de la palabra escrita, pero no debemos olvidar la literatura en forma oral, como decía Aristóteles "el arte de la palabra". Para poder explicar por medio del ejemplo hablaré del cuento "La muñeca reina" de Carlos Fuentes. Este texto narrativo nos cuenta la historia de Carlos, un joven profesionista que cae en la rutina; dueño de un despacho y cansado de acostarse con sus secretarias hasta que un día al revivir libros de su infancia cae una nota en la cual decía "Amilamia no olbida a su amiguito y me buscas aquí como te lo divujo". Cuando Carlos tenía 14 años iba al parque para leer, mientras él estaba sentado en una banca, había una pequeña llamada Amilamia, la cual hacía de todo para que Carlos le pusiera atención. Al recordar esos momentos lo motivó a buscarla. Recorriendo el camino por el cual Amilamia pasaba en ella, y en el tiempo que habían pasado durante su infancia, al llegar a la casa toca varias veces pero no le abren, en el último intento vio a alguien que se acercaba pero aun así no le abrieron. Al día siguiente regresó a la casa de aquella niña que le recordaba su infancia, pero ahora iba preparado para tener una excusa y que así, poder investigar que había pasado con su amiga. Al tocar la puerta si fue abierta, por la cual salió una señora no más de 50 años; Carlos le comentó que iba de parte de del propietario de la casa, para poder revisar la casa, ya que llevaban varios años en renta.

2018

El video, la fotografía y el cine han tenido un papel clave tanto en la definición de nuevos desafíos metodológicos, analíticos o teóricos para la historia del arte, como en la reformulación crítica de nociones y modelos modernistas de la especificidad de los medios, y en la inevitable expansión de las nociones de historia y arte para dar cuenta de nuevas relaciones prácticas y teóricas en arte y medios. El VIII Simposio de Historia del Arte ha invitado a la reflexión y discusión sobre dichos desafíos, reformulaciones y expansiones, teniendo como referentes tres problemáticas que definen un espacio metodológico y conceptual en el cual se ubican las conferencias y las ponencias participantes. 1. Rosalind Krauss publicó en el año 2000 un controversial ensayo para el cual adoptó el título de la película Un viaje en el mar del norte, dirigida y producida por Marcel Broodthaers en 1973. Allí reformuló la discusión modernista sobre el medio en respuesta al surgimiento del video en los años sesenta. Ella propuso una noción post-medial entendida en términos de estructuras de soporte compuestas por elementos "diferenciales" y autodiferenciadores (vg. el celuloide, la cámara, el proyector y la pantalla de cine), y en términos de las diversas posibilidades de interacciones entre dichos componentes. Por su parte, Carol Armstrong ha propuesto una interpretación feminista de la "marca puntillista" de Georges Seurat y en términos de lo que su actual proyecto de publicación recoge bajo la idea de una "compleja matriz de materiales y materialidades interrelacionadas", así como de elementos corporales, táctiles, y generativos. En esta línea, el Simposio propone la discusión y reflexión sobre obras de arte y las prácticas artísticas desde perspectivas que enfatizan la materialidad y la creación dentro de condiciones y dinámicas de interrelación entre diferentes medios artísticos o de interacción entre los aparentes "elementos de autodiferenciación" de un medio artístico. 2. En su libro Between Film, Video and the Digital: Hybrid Moving Images in the Post-Media Age (2016), Ji Hoon Kim ha mostrado que la especificidad del medio y la propuesta de Krauss difícilmente ayudan a estudiar obras de arte que utilizan otros dispositivos de exposición y plataformas para "escudriñar la complejidad material y técnica del cine". Por su parte, en su libro Between the Black Box and the White Cube (2014), Andrew Uroskie evidencia cómo los artistas de los años cincuenta y sesenta usaron la escultura y otros medios para "abordar aspectos fundamentales de la experiencia cinematográfica". Él propone que los artistas y el público asumieron el cine menos en términos de "una ontología de la forma material" y más en términos de "la historicidad contingente de la elaboración cultural de esa forma" y los regímenes en los que el cine tenía lugar. En esta dirección, la segunda problemática versa sobre el modo como la producción y la recepción de obras de arte tiene lugar en términos de regímenes de percepción y comunicación, y su relación con la hibridación de los medios. 3. En 1990, Raymond Bellour publicó su referencial obra L'Entre-Images: Photo Cinéma Vidéo. Él argumentó allí que los artefactos de video, electrónicos y digitales no disolvieron el cine ni sus estructuras, sino que habilitaron su desarrollo al tiempo que impulsaron la tarea de reexaminar la relación entre los nuevos medios y los antiguos. Esta tarea ha sido asumida y reformulada por la "arqueología de los medios", bien sea en la línea histórica desarrollada por

El arte de los nuevos medios está íntimamente ligado al código. El código no es sólo un recurso teleológico sino es, en si mismo, un recurso estético. El hombre ha superado la «era de la información» y ha alcanzado la «era del conocimiento». Ahora dispone de datos (grandes y pequeños) para aprender de ellos: información consumida, producida, almacenada y transmitida por cosas "inteligentes". El presente y el futuro se mide en bytes. El futuro es digital y el arte de las cosas es su principal soporte estético.